EL AMOR MÉDICO de Molière

"El amor médico" fue escrita como divertimento para el rey Sol, Luis XIV. Estrenada en 1665 su propósito era hacer una dura crítica hacia el oficio de médico pero utilizando el sentido del humor tal y como podemos apreciar en buena parte de los diálogos que aparecen en la obra; de todos ellos cabe destacar aquellos que protagoniza Liseta -señorita de compañía de Lucinda, quien está enferma de amor-.

  La trama es sencilla, Lucinda es una joven que quiere casarse a toda costa pero que se encuentra con el problema de que su padre Sganarello -que ya aparece en otras obras de Molière- se niega a ello.  Ante esta situación la chica cae enferma -evidentemente le está haciendo chantaje emocional al padre, algo que no se ha inventado en nuestros días- que decide contratar los servicios de cuatro médicos. En este momento el genio de Molière se agranda y asistimos a una crítica feroz hacia las personas que ofrecían ese servicio. Para ello se sirve de la amiga de Lucinda, Liseta, que cuando escucha que Sganarello va a contratar a los médicos dice:

 Liseta: ¿Qué va a hacer, Señor, con cuatro médicos? ¿No hay bastante con uno para matar a una persona?

Sganarello: Tú cállate. Cuatro consejos valen más que uno.

Liseta: ¿Es que su hija no va a poder morirse sin ayuda de esos señores?

Sganarello: ¿Acaso los médicos matan?

  Y más adelante Liseta que no se corta un pelo ataca de nuevo pero esta vez lo hace directamente a los médicos:

Liseta: ¿Pero qué? ¿Los Señores estaban ahí, y no piensan reparar el agravio que acaba de hacérsele a la medicina?

El Sr.Tomé: ¿Cómo? ¿Qué pasa?

Liseta: Un insolente que ha tenido el descaro de usurpar su oficio y que, sin receta de su parte, acaba de matar a un hombre de una gran estocada que lo ha atravesado de parte a parte

  La obra termina como debe, es decir, en matrimonio. ¿Cómo lo consiguen Liceta y Lucinda? Fácil, consiguen que Clitandro -enamorado de Lucinda- se vista como médico y éste le indica a Sganarello que su hija está medio loca, pero que él -todo un dechado de buena persona- se sacrificará y le hará creer a la joven que se casará con ella con el consentimiento del padre que debe seguirle la corriente si quiere que su hija recobre la buena salud. El padre, un inocentón, acepta y de esa manera es burlado por la joven pareja que consigue su propósito.

  Si comparamos la estructura de esta obra con otra que tiene similar trama como El médico volante comprobaremos que en esta ocasión en lugar de estar formada por un único acto y dieciséis escenas, "El amor médico" está estructurada en tres actos con seis escenas la primera y siete la segunda y tercera; además Molière un dramaturgo que se encuentra ya en el cént de su carrera no deja margen a la improvisación de los actores tal y como si hacía en la obra que estrenó seis años antes, lo que nos muestra la madurez y seguridad que ha ido adquiriendo el dramaturgo francés.

  En resumen una obra entretenida que podemos leer en un rato y que nos hará reir con las ocurrencias de Liseta, y las conversaciones que mantienen los cuatro médicos.

  Yo de ustedes la leería.

LA VENGANZA DE DON MENDO de Pedro Muñoz Seca

  La Venganza de Don Mendo

  Esta obra de teatro escrita por Pedro Muñoz Seca (1879-1936) que fue estrenada en 1918 es la cuarta más representada en España tras "Don Juan Tenorio", "Fuenteovejuna" y "La vida es sueño".

  Personajes: Don Mendo, don Nuño, don Pere, Magdalena.

  FICHA:

  Editorial:   Austral
  Formato:   Tapa Dura
  Año:          2009
  Páginas:   192
  Precio:      12,50 euros

  Como toda buena obra de teatro solemos identificar a los personajes de ésta con los actores que mejor han interpretado estas obras y en mi caso don Mendo es sin lugar a dudas el bueno de Manolo Gómez Bur al que ya haremos referencia posteriormente.
  El subgénero teatral al que pertenece es el "astracán" desarrollado fundamentalmente por Muñoz Seca y que se basa en el uso de situaciones disparatadas, nombres propios que dan lugar al equívoco (en este caso tenemos a dos protagonistas con los apellidos Toro y Manso) y sobretodo tiene una función que está por encima de todo: hacer reír aunque sea a costa del argumento. Surge como contrapunto al sainete que tenía a los hermanos Álvarez Quintero como máximos representantes. 
  
  Con estos antecedentes podemos imaginarnos que el argumento es sencillo y disparatado. Por un lado tenemos al anciano don Nuño Manso que promete a su hija Magdalena con el duque de Toro -don Pero- sin saber que ésta mantiene relaciones con don Mendo. Pero como Magdalena lo que desea es el ascenso social acepta con gusto el matrimonio y da la espalda a su amante. En una de las visitas de don Mendo a Magdalena es sorprendido por don Pero y para no llevar la deshonra a su amada se autoinculpa de un robo que realmente no ha cometido por lo que es condenado a muerte.
  Don Mendo escapa y decide vengarse aunque al final muere hasta el apuntador -nunca mejor dicho en una obra de teatro-.
  El momento cumbre de la obra es aquel en el que Muñoz Seca nos describe el momento en el que a don Pere, el rey Alfonso le permite llevar sobre el escudo de armas cinco banderillas -don Pere duque de Toro-. Irónico porque el rey Alfonso es amante también de Magdalena... ¡Cuanto dice Muñoz Seca con tanta finura y gracia!

  Para pasar un rato agradable no está mal, aunque mejor sería ir al teatro a verla.

  FILMOGRAFÍA:

  Cinta dirigida por Fernando Fernán Gómez en 1961 y protagonizada por el mismo actor, Juanjo Menéndez y Paloma Valdés.

  Para la televisión se realizaron varias adaptaciones:
  La primera en 1964 protagonizada por Ismael Merlo, Manuel Alexandre y María Banquer.
  En 1972 una nueva adaptación protagonizada en esta ocasión por Tony Leblanc, Gemma Cuervo, Fernando Guillén, Manuel Alexandre y Antonio Ozores.
  

En 1979 Manolo Gómez Bur interpreta de manera magistral a don Mendo, junto a Amparo Baró y Jaime Blanch. De esta obra solo puedo decir que el protagonista me hizo pasar uno de los momentos más simpáticos de mi infancia, y desde entonces Don Mendo siempre será Don Manuel Gómez Bur.
  
  Y por último tenemos la adaptación llevada a cabo por el Tricile y que protagoniza Javier Veiga (2010-2011) .

LA FIERECILLA DOMADA de William Shakespeare

  LA FIERECILLA DOMADA

  Obra escrita entre 1593 y 1594 nos narra la "doma" sufrida por una mujer arisca por parte de su esposo. Esta obra de Shakespeare fue la última que se publicó entre las que se trataba el tema de la mujer que tiene un fuerte carácter que acaba convirtiéndose en sumisa ante el control ejercido por su esposo.

  Personajes: Catalina, Blanca, Lucencio, Gremio, Hortensio , Petruchio y criados.

  FICHA:

  Editorial:   Galaxia Gutenberg
  Formato:   Tapa Dura
  Año:          2007
  Páginas:     34
  Precio:      120 euros
  Traductor:  Rodolfo R. Varela

  Ésta es la segunda obra que reseñamos del genial dramaturgo inglés. Si la anterior comedia nos decepcionó (aquí) "La Fierecilla Domada" no ha sido menos y tampoco nos ha sorprendido gratamente, básicamente porque parece tratarse de una obra inacabada. El motivo de esa sensación es evidente para cualquier lector de la obra: en el prólogo aparecen unos personajes, que son los que introducen la pieza -podríamos decir que nos encontramos ante una comedia dentro de otra- que prácticamente no vuelven a aparecer en toda ella, de manera que finalmente no sabemos que ocurre con esos personajes. Además resulta curioso que ese prólogo nos recuerda enormemente a varios capítulos de la segunda parte de "El Ingenioso Hidalgo don Quijote de la Mancha"  -me refiero a a aquellos en los que el duque gasta multitud de bromas a Sancho que no es consciente de ellas- por lo que cabría preguntarse si Cervantes se inspiró en este prólogo de la obra.

  Por otro lado encontramos algunos puntos que hacen que la trama sea poco creíble siendo el más importante la velocidad con la que Petruchio conoce, contrae matrimonio y cambie el carácter de Catalina (no pasan más de diez días). Y no es creíble porque por más que ciertamente los matrimonios se concertaran sin contar con la aprobación de la mujer, éstos jamás se realizaban a una semana vista que es lo que sucede en la comedia. Además aunque ciertamente el varón maltrataba a la mujer hasta conseguir su docilidad, solo lo conseguía mediante el maltrato físico no el psicológico que es el que parece mostrarnos Shakespeare en la obra; a todo esto habría que sumarle que Catalina sufre esa transformación con sumo gusto siendo esto casi imposible de creer.

  La tercera obra que leeremos de Shakespeare será la primera parte de "Enrique VI" cambiamos la comedia por las históricas, a ver que tal resultan.

  FILMOGRAFÍA:

Dirigida en 1929 por Sam Taylor y protagonizada por Mary Pickford y Douglas Fairbanks.

  Cinta protagonizada por Carmen Sevilla y Alberto Closas. Dirigida por Antonio Román en 1956.

  Esta película fue dirigida en 1966 por Franco Zeffirelli y fue protagonizada por Elizabeth Taylor, Richard Burton y Michael York.
  Obtuvo dos nominaciones al Óscar en las categorías de mejor vestuario y mejor dirección artística.

PIC-NIC de Fernando Arrabal

  PIC-NIC

  Escrita por el dramaturgo español Fernando Arrabal esta obra fue publicada y representada por primera vez en 1952. Nos encontramos ante un alegato contra la guerra que utiliza el absurdo para explicarnos el absurdo de las contiendas.

  Personajes: Zapo, Zepo, señor Tepán, señora Tepán, camilleros.


  FICHA:

  Editorial: Everest
  Formato: Tapa Dura
  Año:        2009
  Páginas:   13
  Precio:     29,95

  Nos encontramos ante una de las grandes obras de teatro escritas por Fernando Arrabal. A penas quince páginas le bastan al autor para realizar una audaz crítica hacia los militares y políticos que llevan a la población civil a enfrentarse en unas guerras absurdas que ni siquiera los soldados llegan a comprender.
  Para realizar esa crítica, Arrabal utiliza el llamado teatro del absurdo que se caracteriza por la utilización del sentido del humor y poseer unos fuertes rasgos existencialistas a través de los cuales cuestionar a la sociedad de la época.
  Los protagonistas son un par de soldados y los padres de uno de ellos;a través de unos diálogos rebosantes de inocencia y humor estos personajes nos muestran el desconocimiento que los llevan a enfrentarse en una batalla sin cuartel los de un bando y otro. Cuando dialogan entre ellos los soldados enfrentados se percatan de que realmente no tienen nada contra el rival y que son más cosas las que los unen que las que los enfrenta.
  El desenlace de la obra es brutal e inesperado -como buen ejemplo del teatro del absurdo- puesto que ocurre lo imprevisto. Toda la representación parece una fiesta aunque se centre en un campo de batalla: de esta manera asistimos a una comida campestre (le da nombre a la obra), a música, bailes, compadreo entre los soldados... y finalmente asistimos a lo inevitable en una guerra: la muerte. De manera que lo que en teoría parece ser lo normal en una guerra (la muerte y el sufrimiento) en la obra de Arrabal resulta ser lo absurdo, lo incomprensible teniéndose en cuenta lo sucedido a lo largo de la obra.

  En mi opinión nos encontramos ante una de las grandes obras de teatro que se han escrito en el siglo XX, una pena que Fernando Arrabal sea más recordado por aquella intervención en la tertulia televisiva que dirigía y presentaba Sánchez Dragó que por su excelsa obra.
  




  
   

LOS DOS HIDALGOS DE VERONA de William Shakespeare

  Los dos hidalgos de Verona

  En esta ocasión reseñamos una de las primeras comedias de William Shakespeare (1590). Ya se vislumbra la genialidad del dramaturgo inglés aunque ciertamente se aprecian ciertas carencias que irán desapareciendo en las sucesivas obras teatrales que realiza el escritor.

  Personajes:  Valentino, Proteo, Julia, Silvia, Speed (Relámpago) y Lanza.

  FICHA:

  Editorial:    Galaxia Gutenberg

  Formato:    Tapa Dura

  Año:           2007

  Páginas:     35

  Precio:        120 euros

  Traductor:   Rodolfo R. Varela           

  Ya es hora de que comenzara a leer las obras completas de Shakespeare y aprovechando el regalo que me hicieron hace poco por mi cumpleaños (una magnífica edición de Galaxia Gutenberg que incluye unas ilustraciones buenísimas de  Jaume Plensa y  unas traducciones elegidas por el experto en el dramaturgo inglés Ángel Luis Pujante) me decidí a iniciar esta tarea.
  La primera obra que aparece en la edición es ésta que reseñamos hoy "Los dos hidalgos de Verona" que ha resultado ser algo decepcionante. En un principio la obra promete mucho, aventuras, monólogos y diálogos muy cómicos, traiciones, por supuesto amoríos... pero de repente parece tomar un ritmo vertiginoso que no es acorde a lo sucedido a lo largo de la obra. Esto además va unido a hechos que son increíbles (no por su calidad sino por la poca credibilidad de lo descrito) como el momento en el que uno de esos hidalgos (amigo del otro) intenta violar a la prometida del amigo, en ese momento llega el amigo y la situación se zanja como si no hubiese sucedido nada; todos siguen tan amigos.
  Lo que más me ha gustado de la comedia ha sido la caracterización de dos personajes (los criados Speed y Lanza) unos auténticos truhanes que hacen lo que quieren y que hablan con sus señores con una ironía y un sentido del humor excelentes.

  La siguiente comedia que reseñaremos será "La fierecilla domada" que espero sea mucho mejor que ésta.

DON JUAN TENORIO de José Zorrilla

  DON JUAN TENORIO

  Esta obra de teatro escrita por José Zorrilla fue estrenada el 28 de febrero de 1844 en el Teatro de la Cruz de Madrid. Este fue un auténtico fracaso, tanto que Zorrilla vendió los derechos para deshacerse de ella. Vende los derechos a un editor por 8000 reales que tampoco era una fortuna. Dieciséis años después el actor Pedro Delgado decide reestrenarla y lo hace el 1 de noviembre con un tremendo éxito.

  Personajes:  Don Juan Tenorio, Don Luis Mejía, Don Gonzalo, Doña Inés, Ciutti, Brígida, Doña Ana de Pantoja, Capitán Centellas, Rafael de Avellaneda, escultor.

  FICHA:

  Editorial:   Galaxia Gutenberg
  Formato :  Tela
  Año:          1998
  Páginas:    184
  Precio:       27,50 euros


  El mito de don Juan no fue creado por José Zorrilla sino que lo fue Tirso de Molina con El Burlador de Sevilla y el convidado de piedra escrita en 1652.
  Otros muchos escritores utilizaron este mito para realizar una obra, a continuación nombramos las más importantes:


-  Don Juan de Moliere (1665)
-  Don Juan de E.T.A Hoffmann (1813)
-  Don Juan de Lord Byron (1821)
-  Don Juan de Alexander Pushkin (1830)
-  Don Juan de Maraña de Alejandro Dumas (1831)

  Así como óperas y ballets:

- Don Giovanni de Mozart (1787)
- Don Juan  de Gluck (1761)

  Si comparamos las fechas todas son anteriores a la obra de José Zorrilla que fue estrenada en 1844 pero solo la ópera de Mozart puede competir en fama con su obra.
  ¿Qué es lo que tiene la obra de Zorrilla para conseguir ser la obra de teatro más representada en nuestro país?
  Para empezar tiene versos para la historia de la literatura como los que inician la obra:

  "¡Cuál gritan esos malditos!
   Pero¡mal rayo me parta
   si en concluyendo la carta
   no pagan caros sus gritos!

  Esta es la presentación de Don Juan en la obra. Zorrilla nos lo muestra desde el principio como un personaje pendenciero, "un calavera". Ambientada la obra en la Sevilla de 1545, cuando era la ciudad más importante del mundo merced a los numerosos tesoros que llegaban procedentes de América, don Juan apuesta con don Luis quien se bate en más duelos y seduce a mas doncellas. Al cabo de un año se encuentran en una hostería y allí comparan sus fechorías. Don Juan sale victorioso y Don Luis lo desafía porque en su lista no aparece ninguna novicia a lo que responde Don Juan que no solo conquistará una novicia sino que también lo hará con la futura esposa de Don Luis, Ana de Pantoja. Y para ello pide seis días ante la perplejidad de Don Luis que le pregunta cuánto tiempo necesita para cada mujer, a lo que Don Juan responde con uno de los momentos estelares del Teatro español:

  " Partid los días del año
   entre las que ahí encontráis.
    Uno para enamorarlas,
   otro para conseguirlas,
   otro para abandonarlas,
   dos para sustituirlas,
   y una hora para olvidarlas".

  A partir de aquí Zorrilla con gran maestría nos muestra los métodos que utiliza Don Juan para conseguir vencer en la apuesta y es que el propio Tenorio se jacta de ser una persona de la peor ralea:

  "Por donde quiera que fui,
  la razón atropellé,
  la virtud escarnecí,
  a la justicia burlé,
  y a las mujeres vendí.
  Yo a las cabañas bajé,
  yo a los palacios subí,
  yo los claustros escalé,
  y en todas partes dejé
  memoria amarga de mí..."

  Y lógicamente consigue atraer a doña Inés valiéndose de su labia -no en balde es un auténtico seductor- con los versos más célebres de nuestro teatro:

  "¿No es cierto, ángel de amor,
   que en esta apartada orilla
  mas pura la luna brilla
  y se respira mejor?"

  La primera parte finaliza con la huida de Don Juan hacia Italia tras matar al padre de Doña Inés y a Don Luis.
  La segunda parte se inicia con la vuelta de Don Juan a Sevilla cinco años después. Visita el panteón familiar y allí descubre el sepulcro de Doña Inés. Llegan sus amigos Centella y Avellaneda y los invita a cenar junto al difunto Comendador representado en su sepulcro con una escultura (de ahí lo del convidado de piedra) quien quiere llevárselo al infierno pero que no puede porque Doña Inés intercede ante Dios para que Don Juan vaya al cielo.

  Y este último hecho es el que motiva que la Iglesia criticara duramente a la obra puesto que parece indicar que por muchos pecados que cometamos en vida si uno se arrepiente en el momento justo antes de morir irá al Paraíso. Parece defender el mal comportamiento frente a las buenas acciones en vida.

  Estilísticamente Don Juan Tenorio pertenece a al movimiento literario del Romanticismo, veamos cuáles son las características de esta obra:
  Por un lado aparecen lugares sombríos normalmente de noche siendo un escenario fundamental el cementerio.
  Los personajes principales suelen ser solitarios que evitan relacionarse en exceso con el resto de los mortales.
  Los enamorados suelen acabar de manera trágica, en este caso la muerte de Doña Inés y posteriormente la de Don Juan.
  El corazón domina al cerebro como muestra el amor de Inés hacia Tenorio.
  Y por último el misterio. Sombras que hablan, esculturas de piedra que toman vida...

  Con todas estas características que reúne la obra y teniendo en cuenta que se reestrenó  un uno de noviembre (día de los difuntos), ¿es posible una fecha mejor para representar esta obra de Zorrilla? Evidentemente no.
  Ahora desde Estados Unidos nos están introduciendo la fiesta de Hallowen en nuestra cultura, cuando realmente no nos hace falta puesto que nuestras tradiciones son mucho más antiguas que las anglosajonas y en cambio se están perdiendo ¿Hay acaso algo mejor que hacer el uno de noviembre que ir a uno de los muchos teatros que tenemos en nuestro país para asistir a una de las múltiples representaciones que se celebran de Don Juan Tenorio?


  FILMOGRAFÍA y OTROS:

  Dirigida por Gustavo Pérez Puig e interpretada por Francisco Rabal, Paco Valladares, Concha Velasco (1966).

  Don Giovanni es una ópera de Wolfgang Amadeus Mozart con libreto de Lorenzo da Ponte.









  Y para terminar os dejo una recomendación. Siempre que podáis visitad Almagro que tiene esta obra entre las fijas en la programación del Corral de Comedias.
   La Compañía Corrales de Comedia Teatro nace en 1994 y desde 2006 interpreta la obra bajo la dirección de Nacho Sánchez. Os dejo un trailer de la obra interpretada en el Corral de Almagro por su Compañía:

EL MÉDICO VOLANTE de Molière

  EL MÉDICO VOLANTE

  Escrita por Molière en 1645 nos encontramos ante su primera obra. Ésta nos recuerda a otras que escribirá posteriormente y que la mejoran notablemente.
  Personajes: Valerio (enamorado de Lucila), Sabina (prima de Lucila), Sganarello (criado de Valerio), Górgibus (padre de Lucila), el Gran René (criado de Górgibus), Lucila (hija de Górgibus), un abogado.

  FICHA

  Editorial:  Gredos
  Formato:   Tapa Dura
  Año:          2004
  Páginas:     420
  Precio:       27,50 euros 

  Molière está considerado como uno de los grandes dramaturgos de la literatura universal y he pensado que la mejor manera de hacerle un pequeño homenaje es realizar esta pequeña reseña a su primera obra El Médico Volante.
  Conocemos las principales obras de Jean Baptiste Poquelin que tal es el nombre de Molière: Tartufo, Don Juan, El Médico a Palos, El avaro o El enfermo imaginario escritas todas ellas entre 1664 y 1672, es decir, entre veinte y treinta años después que la que pretendemos reseñar a continuación. Y comento el asunto de las fechas para que tengamos en cuenta el hecho de que es su obra primeriza y por tanto nos puede parecer incompleta en comparación con sus grandes obras maestras pero ya podemos encontrar algunas de las características que aparecerán en el resto de sus obras.
  Es más nos encontramos claramente ante un esbozo de la que será veinte años después El Médico a Palos también llamada El Médico a su pesar.
  La trama es la siguiente la joven Lucila está enamorada de Valerio pero su padre quiere casarla con un hombre mucho mayor que ella. La prima de Lucila le comenta a Valerio que puede ver a su amada si consigue que su criado Sganarello se haga pasar por un médico que recomiende al padre de Lucila que la deje vivir en la casa del bosque para que mejore de su enfermedad.
  El resto os lo podéis imaginar. Sganarello -personaje que aparecerá en muchas otras obras de Molière- se convierte en el auténtico protagonista de la obra con sus continuas transformaciones. El resto de personajes no pasan de ser secundarios al servicio del "médico".

  En cuanto a la estructura comentar que tiene un único acto dividido en dieciséis escenas, en las que se nos muestra que la obra estaba concebida más para ser representada que para ser leída dándole una gran importancia a los actores, pues son varias las ocasiones en las que en el texto aparece la posibilidad de que el actor improvise sobre la marcha. Este hecho a medida en que Molière vaya madurando en su arte irá desapareciendo de sus obras.
  Recordar por último que esta obra sirvió de inspiración a Leandro Fernández de Moratín en su obra  El Médico a Palos.

  Si no habéis leído ninguna obra de Molière os recomiendo que comencéis por ésta por la sencilla razón de que disfrutaréis de la primera genialidad del actor y dramaturgo francés y sobre todo porque os permitirá que comprendáis y os deleitéis con las posteriores lecturas que de Molière hagáis.